por Blanco White, el talentoso músico y compositor conocido por su propuesta única, está a punto de publicar su próximo álbum «Tarifa«, programado para el 29 de septiembre a través de Nettwerk. Blanco White ha cautivado a audiencias en todo el mundo con su habilidad para fusionar hábilmente géneros, creando una fusión impresionante de folk, indie y electrónica.
En este nuevo álbum, Blanco White profundiza en sus coloridas mezclas sonoras generando un emocionante viaje musical que toca temas cósmicos, emociones humanas y experiencias personales.
Con el reciente lanzamiento del sencillo ‘Silver Beaches‘, Blanco White demuestra una vez más su habilidad para tejer paisajes sonoros evocadores; aprovechado el lanzamiento de este último single hemos aprovechado para hablar con Josh Edwards (aka Blanco White).
Pregunta – «Tarifa» es el título de tu próximo álbum, del cual ya conocemos el tema que le da nombre y del que ahora descubrimos su segundo adelanto, ‘Silver Beaches’. Cuéntanos qué podemos esperar de este nuevo disco y en qué se diferencia de tus lanzamientos anteriores.
Respuesta – La identidad del álbum comenzó a tomar forma después de escribir la canción ‘Silver Beaches‘. La primera pieza del rompecabezas para esa canción empezó con el órgano, algo que ocurrió en muchas de las canciones en el álbum. Los órganos pueden brindarte mucha libertad rítmica porque no tienen un tiempo de decaimiento, por lo que construir los ritmos alrededor de ellos era muy abierto.
Después de haber compuesto recientemente el EP «Time Can Prove You Wrong«, que fue bastante suave y folclórico, quería crear algo con más ritmo y groove. Quería que la gente sintiera que podía bailar más en los conciertos. Ese cambio de enfoque hacia una música más basada en el groove era algo en lo que ya había tocado en lanzamientos anteriores, pero es mucho más importante en ‘Tarifa‘ en su conjunto.
P. – Sabemos que estás involucrado en la producción de tus álbumes. ¿Cuál es la razón detrás de tu participación en este campo? ¿Es la única forma de lograr la forma exacta que deseas para tus canciones?
R. – Siempre me ha encantado construir arreglos. Es mi parte favorita del proceso de escritura y las líneas se difuminan rápidamente con la producción. Debido a la forma en que la tecnología ha cambiado en la música, el proceso de producción también se ha democratizado mucho, lo que permite a los artistas desempeñar un papel más importante en ese aspecto de la creación musical. En realidad, solo necesitas una computadora portátil para empezar.
La gran mayoría de este álbum fue grabado con mi propio equipo de grabación. Tengo una pequeña colección de micrófonos, pero junto con una excelente interfaz y 3 buenos preamplificadores, quedé muy satisfecho con los resultados. La colaboración también fue una parte importante del disco y trabajé mucho con Pilo Adami en varias de las pistas, así como con Nathan Jenkins (Bullion). Aprendí mucho de esas colaboraciones y al involucrarme en todas las decisiones de producción y mezcla, sentí que crecí mucho más como artista.
P. – El título de tu nuevo álbum hace referencia a la ciudad de Tarifa, en el sur de España. ¿Qué papel juega este lugar en tu música y cómo ha influido en la creación de este álbum?
R. – La mayor parte de la escritura del disco tuvo lugar en Tarifa, y la energía y belleza de ese lugar definitivamente dejaron su huella en la música.
La luz allí, en invierno, es muy especial. Los inviernos en el norte de Europa son muy oscuros, pero en esa parte de Andalucía, los árboles siguen siendo verdes y hay un brillo en la luz del sol. Los días a menudo son incluso más claros que en verano porque hay menos humedad en el aire. También descubrí que el famoso viento de Tarifa fue muy energizante, lo notaba mientras escribía. Me ayudó a entrar en estados creativos y me dio una sensación de urgencia en la toma de decisiones.
Estar solo durante un período prolongado me permitió perderme realmente en lo que estaba haciendo. Pensé mucho y reflexioné mientras estuve allí, y a veces encontrar el espacio para hacerlo solo es posible si te alejas de tu vida normal y viajas a un lugar nuevo.
P. – Sabemos que a menudo has sido etiquetado como «world music» debido a la variedad de influencias en tu música, pero ¿hay algún límite? Podemos imaginarte incorporando elementos electrónicos en tu trabajo, pero nos resulta difícil imaginar, por ejemplo, la incorporación de sonidos o expresiones derivadas del hip-hop.
R. – Me resulta difícil señalar mis influencias porque siento que es más la suma de todas ellas en conjunto lo que importa. Cuando estoy inmerso en el proceso de un nuevo álbum, en realidad no escucho mucha otra música porque puede ser un poco abrumador. En ese sentido, las cosas se sienten mucho más difusas y normalmente sigo mis instintos y confío en mi gusto. Sigo el hilo de cada canción individualmente, permitiendo que la primera idea o boceto guíe el resto de la toma de decisiones, combinando tonos, sumando y restando, y reaccionando a cosas que se sienten bien. Debido a esto, no creo que haya ningún límite en la variedad de influencias que pueden terminar expresándose en la música.
Puedo pensar en muchas pistas de hip-hop que han dejado una gran impresión en mí. Eso podría ser debido a cómo me hicieron sentir, o porque me han dejado un impacto simplemente como piezas de producción. A veces, algo tan pequeño como la reverberación de una batería de una canción que amas puede terminar afectando tus propias decisiones creativas.
P. – La nostalgia y la conexión emocional son elementos recurrentes en tus canciones. ¿Cómo abordas la composición de canciones y la composición musical para transmitir estas emociones de manera auténtica?
R. – El elemento emocional de la música y la composición de canciones es definitivamente bastante misterioso, quizás porque sentimientos como la nostalgia en sí mismos son tan difíciles de definir.
Supongo que la música, el arte y los poemas son los vehículos que usamos para tratar de articular esos sentimientos debido a su inefabilidad. La armonía en la música es especialmente poderosa en este sentido. El equilibrio entre los acordes menores y mayores expresa mucho, junto con las inversiones intermedias como los acordes séptimos mayores que pueden sentirse agridulces, felices y melancólicos al mismo tiempo. Me fascina la forma en que la armonía me hace sentir y normalmente comienzo a expandir una idea solo una vez que me he sentido conmovido por la estructura armónica de una progresión de acordes de alguna manera. Por esta razón, los órganos fueron muy útiles en este álbum, ya que la identidad rítmica de la canción puede permanecer abierta y desconocida hasta después de que se decida el viaje armónico de la progresión de acordes.
P. – Después de lanzar «On The Other Side» en 2020, has experimentado un crecimiento significativo en tu carrera musical. ¿Cómo describirías tu evolución artística desde entonces?
R. – En realidad, tuve un período muy difícil en mi vida después de terminar «On The Other Side«. Estaba sufriendo una afección nerviosa y de dolor crónico que empeoró mucho después de terminar el álbum y me llevó más de dos años recuperarme. No podía tocar mis instrumentos durante la mayor parte de ese tiempo, así que fue muy aterrador y hubo un largo período en el que pensé que mi carrera podría haber terminado y que no podría volver a hacer giras. Afortunadamente, finalmente me recuperé con la ayuda de algunos médicos increíbles y mi fisioterapeuta Tony Betts, y estoy disfrutando haciendo música más que nunca. Durante ese tiempo, en el que no podía tocar música, me centré en tratar de aprender todo lo que podía, especialmente en términos de producción. Creo que eso es lo que ha afectado más mi producción artística.
P. – A medida que tu música ha llegado a audiencias internacionales, ¿has notado alguna diferencia en cómo se recibe tu música en diferentes partes del mundo? ¿Hay algún lugar que te haya sorprendido particularmente con la respuesta del público?
R. – Es muy especial para mí que la música haya viajado y llegado a personas en tantas partes diferentes del mundo. Es difícil saber exactamente cómo ha sido recibida sin visitarla en una gira, pero afortunadamente tenemos planes de viajar a un montón de lugares nuevos a principios de 2024 fuera de Europa y América del Norte. ¡No podría estar más emocionado por esos conciertos! (¡Próximamente anuncios!)
Recibo muchos mensajes encantadores de personas en América Latina y quiero llegar allí lo antes posible. En todas partes a las que hemos ido ha sido una aventura y las personas que he conocido en el camino siempre han sido muy amables. Es muy conmovedor y bueno para el alma conectarse con las personas a través de la música y siempre restaura mi fe en la humanidad. En muchos sentidos, simplemente te enseña que como seres humanos tenemos mucho más en común de lo que nos diferencia.
Los shows en casa, en Londres, siempre son especiales pero también he disfrutado especialmente tocando en España e Irlanda. España es un lugar muy especial para mí y es un placer comunicarme en español en el escenario. Siempre me siento bienvenido cuando toco allí. Lo mismo es cierto en Irlanda: la gente siempre canta y aporta una energía contagiosa que uno sueña como intérprete.
P. – A lo largo de tu carrera, has tenido la oportunidad de actuar en diferentes países y culturas. ¿Crees que la música puede actuar como un puente entre las personas y superar barreras lingüísticas y culturales?
R. – Absolutamente. Creo que es nuestro mejor lenguaje universal. Es un contexto tan alegre para conocer gente.
La música se puede utilizar para expresar tantas cosas diferentes, amor, dolor, amistad, belleza y cada otro aspecto de nuestra humanidad compartida y experiencia compartida. Esas cosas trascienden las fronteras. También hay un poder y una electricidad tan misteriosos que se crean cuando las personas se unen. Es algo muy especial estar involucrado en una gira y no creo que alguna vez pierda su magia para mí.
Cuando escribo música, a menudo también tengo la sensación de estar conectado con la humanidad en un sentido más profundo que es difícil de describir y más difícil de alcanzar en la vida cotidiana normal. Quizás sea porque es un lenguaje que todos compartimos, pero también porque creo que lo usamos para tratar de dar sentido a lo que significa estar vivo y lo que significa ser humano.
Inevitablemente, eso puede terminar sacando a la luz sentimientos de empatía y solidaridad que pueden ser muy conmovedores durante ese proceso de creación.
P. – Como artista, estás constantemente bajo escrutinio público. ¿Cómo manejas la presión y la crítica constante?
R. – Me siento muy afortunado de haber encontrado un público que siento que me comprende y me anima. Todos tenemos gustos diferentes, por lo que no me sorprende en absoluto que mi música pueda no ser para todos. Solo trato de hacer música que me guste y espero que haya otras personas ahí afuera que también la disfruten. Creo que la presión a menudo está entrelazada con la programación ocupada de las cosas y la intensidad de la actuación y las redes sociales, pero tengo a gente maravillosa a mi alrededor que me apoya.
Lo único que puedes hacer es hacer lo mejor que puedas, así que es importante ser indulgente contigo mismo. Después de recuperarme de mis lesiones nerviosas, me prometí a mí mismo que haría todo lo posible para tratar de disfrutar del viaje y ser feliz.
P. – ¿Cuál es tu opinión sobre el equilibrio entre la comercialización y la integridad artística en la industria musical? ¿Cómo encuentras ese punto intermedio en tu propia carrera?
R. – Cuando creo y escribo, creo que lo más importante es confiar en tus propios gustos e instintos, porque eso es lo que guía tu toma de decisiones. Si te pones a dudar de ti mismo preocupándote por cómo serán recibidas las cosas por otros, puede enturbiar las aguas y romper el hechizo. Dicho esto, escribir canciones también es un oficio y cuanto más lo haces, con suerte mejor se vuelve tu toma de decisiones. Respetar la atención de un oyente, por ejemplo, puede ser parte de aprender ese oficio. También buscamos a nuestros héroes e inspiraciones para obtener orientación. Durante el proceso, trato de ser hiper crítico con mis ideas y apunto a estar listo para descartar cosas que no funcionan del todo.
En la pista de apertura del álbum ‘Giordano’s Dream‘, pasé por tres coros diferentes antes de decidir finalmente que el cuarto se sentía correcto. Ese equilibrio entre permitir que las ideas surjan y luego reaccionar cuidadosamente a las cosas y seleccionar lo que funciona es el proceso de creación. Una vez que las canciones llegan a un punto en el que ya no escucho nada obvio que crea que debería cambiarse, trato de soltar y permitir que la canción sea. Aún me queda mucho por aprender, pero también he encontrado una confianza en mi proceso que ha llegado con la experiencia.
P. – Como artista, ¿Qué opinas sobre el papel de los festivales en el crecimiento y la exposición, o crees que se han convertido en mercancías donde la música ha pasado a un segundo plano?
R. – En general, he tenido experiencias increíbles en festivales tanto como intérprete como fan. Tengo mis favoritos como Glastonbury y el Festival Green Man en el Reino Unido. Algunos otros en casa o en el extranjero pueden sentirse un poco demasiado comercializados, pero si te estás divirtiendo con tus amigos y obteniendo esa escapada musical de la vida normal por un tiempo, ¿qué no hay para amar?
P. – Las redes sociales han tenido un impacto significativo en la industria de la música. ¿Cuál es tu opinión sobre su influencia? ¿Cómo lidias personalmente con las redes sociales?
R. – Las redes sociales son algo con lo que siento que tengo una relación poco saludable de una manera que antes no tenía. Es una parte más grande de mi vida de lo que me gustaría y a menudo resiento la sensación de estar conectado todo el tiempo, ya que soy una persona bastante privada y me encanta la sensación de estar desconectado y completamente libre. Sin embargo, es una parte importante de mi trabajo, y entiendo su importancia para ayudarme a conectarme con las personas que se toman el tiempo para escuchar la música, y también la forma en que da a mi música la oportunidad de llegar a nuevas audiencias.
Mi principal preocupación es que puede empezar a invadir demasiados aspectos de tu vida, y sabemos que las plataformas están diseñadas para ser adictivas. Espero que sea algo de lo que pueda alejarme más en el futuro.
P. – ¿Cuál es tu opinión sobre la relación entre la música y la tecnología en la actualidad? ¿Crees que la tecnología ha enriquecido la experiencia musical o la ha corrompido, generando problemas como la revisión de canciones de artistas que incluso han fallecido?
R. – Creo que la tecnología en la creación de música está experimentando una transformación enorme que es en su mayoría increíblemente emocionante.
El proceso de producción está mucho más democratizado y las herramientas disponibles ahora para hacer y manipular el sonido son asombrosas. Una gran cantidad de estas herramientas se hacen con pasión y amor antes que con el deseo de ganar dinero. Las pequeñas compañías de plug-ins boutique son ejemplos de esto.
Hay nostalgia por los días de la cinta y las antiguas técnicas de grabación porque de la forma en que animaba a las personas a grabar, lo que significa que la música más antigua tiene un sentimiento mucho más en vivo con más músicos tocando al mismo tiempo. La mayoría de mis discos favoritos fueron hechos de esta manera, pero al mismo tiempo, como artista en solitario, estoy muy agradecido por todas las herramientas increíbles que tengo a mi alcance, lo que significa que puedo grabar música solo en mi estudio en casa. Es alucinante aprender cosas nuevas de colaboradores, y me he enamorado de la producción tanto como de escribir melodías o letras.
P. – Muchas gracias por tu tiempo, estamos ansiosos por descubrir «Tarifa» en su totalidad.
R. – Gracias por tu tiempo también y por las preguntas reflexivas. ¡Espero que disfrutes el disco! Os deseo mucho amor, Josh.
